LA GRANDE SOIRÉE DES CONTINENTS

SAMEDI 27 JUIN • 20H00 • THÉÂTRE ALEXANDRE DUMAS

Wu MAN, pipa

Basel RAJOUB, saxophone, duclar, duduk

Feras CHARESTAN, kanoun

Yurdal TOKCAN, oud

Abbos KOSIMOV, percussions

Ayad KHALIFÉ, piano

Sary KHALIFÉ, violoncelle

Anousha NAZARI, mezzo-soprano

LA GRANDE SOIRÉE DES CONTINENTS : DES ROUTES DE LA SOIE AUX SOUFFLES DE L'ORIENT

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Fondés en 2013 par l'Aga Khan Music Programme, les Aga Khan Master Musicians habitent un espace dans lequel l'Orient et l'Occident, le présent et le passé, ainsi que les musiques traditionnelles, le jazz et la musique classique occidentale et non occidentale nourrissent une création musicale d'une originalité saisissante. À l'image de leur cosmopolitisme et de leurs parcours musicaux multiples, la combinaison inattendue d'instruments qui constitue leur ensemble-pipa, ganun, saxophone, oud, doira, duclar - incarne une voix inédite de la création musicale contemporaine. Bien qu'une telle combinaison puisse sembler fantaisiste ou excentrique, ces instruments disposent tous d'une filiation musicale qui remonte à l'Antiquité, lorsque les routes commerciales transeurasiennes, connues sous le nom des « routes de la soie» ont stimulé la diffusion culturelle des luths, violes, cithares et tambours dont les origines se situent au Moyen-Orient et en Eurasie Centrale. Le processus créatif de l'ensemble repose également sur une mise en commun des pièces composées par chacun des musiciens pour son propre instrument, arrangées ensuite pour le groupe. Ces arrangements évoluent au fil des représentations et laissent une large place à la spontanéité et à l'improvisation. Les explorations musicales des Aga Khan Master Musicians découlent d'une croyance fondamentale partagée : la tradition peut servir de boussole pour une recherche artistique orientée vers de nouvelles formes de créativité. Dans cet esprit d'ouverture propice à l'émergence de répertoires nouveaux, ils invitent pour une conversation inédite deux autres « déchiffreurs » qui n'ont de cesse d'explorer de nouveaux chemins musicaux.

Basel Rajoub

Compositeur et saxophoniste

Basel Rajoub est un musicien, saxophoniste et compositeur-improvisateur syrien-suisse, originaire de l’ancien centre culturel d’Alep en Syrie. Il a commencé sa formation musicale très jeune à Damas, où il s’inscrit dès l’âge de 14 ans au conservatoire pour étudier la musique classique occidentale. Il commence d’abord par la trompette, avant de se tourner vers le saxophone, instrument qui deviendra sa principale voie d’expression artistique.

Diplômé de l’Institut supérieur de musique de Damas, Basel Rajoub est reconnu pour développer la musique orientale au saxophone, en intégrant les rythmes et les mélodies traditionnelles du Moyen-Orient avec des influences contemporaines, notamment le jazz. Ses compositions et performances cherchent à rendre audible la richesse mélodique de la musique arabe tout en la réinterprétant avec une langue musicale moderne et inventive.

Installé en Suisse, à Genève, depuis le début des années 2010, il partage son temps entre la performance, l’enseignement, la composition et l’enregistrement. Il joue en tant qu’artiste solo, mais dirige également plusieurs ensembles, dont le Basel Rajoub Ensemble. Il est aussi le fondateur du Soriana Project (« Notre Syrie »), un projet musical collaboratif qui réunit des artistes du Moyen-Orient, d’Afrique du Nord, d’Asie et d’Europe autour d’une musique contemporaine inspirée du patrimoine oriental.

Ses premiers albums, tels que Khameer (2008) et Asia (2012), ont été écrits pour des formations non arabes avant que son approche ne s’élargisse, notamment avec The Queen of Turquoise (2016), ancré dans le projet Soriana. Il a reçu, entre autres, le prix Moyen-Orient Music Award de Radio Monte-Carlo pour ses compositions.

Tout au long de sa carrière, Basel Rajoub a également participé à de nombreux festivals et concerts internationaux en Europe et au Moyen-Orient, et ses créations continuent d’explorer les liens entre tradition et innovation musicale.

Anousha Nazari

Mezzo-soprano

Anousha Nazari se distingue comme la mezzo-soprano lyrique iranienne de sa génération. Avec un répertoire et une culture fusionnant des influences persanes et européennes, elle tisse une passerelle entre ces deux mondes à travers ses performances.

Ayant déjà chanté dans des salles illustres en Iran, telles que le Roudaki Hall avec l’Orchestre symphonique de Téhéran, et distinguée par le Prix international du Festival de Musique de Téhéran (catégorie chœur), Anousha Nazari a étendu son empreinte dans les lieux emblématiques européens, notamment l’Opéra Garnier (Opéra national de Paris), la Philharmonie de Paris, la Philharmonie am Gasteig à Munich, la Salle Cortot, les Beaux-Arts de Paris et l’Hôtel de Lauzun. Sa carrière internationale l’a également menée à se produire en Chine, en France, en Allemagne, en Angleterre, à Chypre , en Thaïlande, et en Suisse, renforçant ainsi son rayonnement artistique sur la scène mondiale.

Installée en France depuis 2016, elle a affiné son art vocal grâce à des études approfondie auprès de Jean-François Rouchon et d’Aurélie Lobbé. Tout au long de son parcours, elle collabore en musique de chambre avec des artistes d’exceptionnels tels que Shani Diluka, Sonia Wieder-Atherton, Antoine Morinière et Julie Gayet, et travaille avec le chef d’orchestre Bar Avni à l’Opéra de Paris.

Son premier album, Sounds of Ancestors (2021), publié par le Samuel Jordan Center for Persian Studies & Culture (Université de Californie), est un hommage à ses origines : il met en avant des mélodies persanes du XXe siècle (art song) se mariant avec des vers de grands poètes du monde iranien. La même année, elle contribue au projet international 20 Chansons et Berceuses du monde (Joyvox Éditions / Sony Music) aux côtés de 20 autres artistes. Son deuxième album, In Vino Veritas. Hommage à Khayyam (2024), produit par Gondishapour en partenariat avec la Fondation Nationale des Beaux-Arts, propose une exploration des quatrains de Khayyam (poète persan du XIe siècle) à travers de la musique de chambre contemporaine composée spécifiquement pour cet enregistrement.

Elle crée également le projet Labyrinthe Baroque avec le guitariste classique Antoine Morinière, mêlant Haendel et Strozzi à la poésie de Rûmi et Maraghi, un projet largement tourné en concert.

Outre ses performances sur scène, Anousha a présenté une série de projets vidéo en partenariat avec des institutions telles que le Théâtre des Champs-Élysées, la Philharmonie de Paris et le Musée national des arts asiatiques – Guimet.

Elle est régulièrement sollicitée pour des initiatives artistiques en France et en Europe, et a été membre du jury d’institutions prestigieuses, dont la 160e édition de la Fondation Nationale des Beaux-Arts et le Global Encounters Festival du réseau Aga Khan. Development.

Wu Man

Pipa

Wu Man fait partie de ces rares musiciennes qui ont profondément redéfini le rôle de leur instrument : le pipa, luth chinois à quatre cordes en forme de poire, riche d’une tradition pluriséculaire. Reconnue comme la plus grande interprète de pipa aux États-Unis, elle est également compositrice, éducatrice et l’une des principales ambassadrices de la musique traditionnelle chinoise à l’échelle internationale. Elle a créé des centaines d’œuvres nouvelles pour son instrument et initié de nombreux projets visant à préserver et faire rayonner les traditions musicales anciennes de la Chine tout en les inscrivant dans la création contemporaine.

Artiste audacieuse et virtuose, Wu Man multiplie les collaborations transculturelles et interdisciplinaires. Elle a été nommée « Instrumentalist of the Year » par Musical America en 2013 — une première pour un instrument non occidental — et a reçu plusieurs distinctions majeures, dont la National Heritage Fellowship du National Endowment for the Arts en 2023, l’une des plus hautes récompenses américaines dans le domaine des arts traditionnels. Elle a également reçu des doctorats honorifiques et des prix saluant son apport à l’art contemporain et au dialogue interculturel.

Parmi ses collaborations les plus marquantes figure son travail de longue date avec le Kronos Quartet, amorcé dans les années 1990, notamment autour de Ghost Opera de Tan Dun. Elle est aussi musicienne fondatrice du Silkroad Ensemble, créé par Yo-Yo Ma, avec lequel elle s’est produite en Amérique, en Europe et en Asie. Elle apparaît dans le documentaire primé aux Emmy Awards The Music of Strangers et participe à l’album Sing Me Home, récompensé par un Grammy Award.

Soucieuse d’élargir le champ d’expression du pipa, Wu Man l’a introduit dans des œuvres pour orchestre, musique de chambre, opéra, créations électroniques, jazz, danse et cinéma. Sa discographie compte plus de quarante albums, mêlant répertoire traditionnel, arrangements de musiques du monde et créations contemporaines.

Née à Hangzhou, en Chine, elle étudie au Conservatoire central de musique de Pékin, où elle devient la première musicienne à obtenir un master de pipa. Enfant prodige admise à 13 ans, elle s’installe aux États-Unis en 1990 et mène depuis une carrière internationale tout en poursuivant son engagement pédagogique. Elle réside aujourd’hui en Californie.

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Abbos Kosimov

Percussions

Abbos Kosimov est un percussionniste et pédagogue musical ouzbek, né dans la seconde moitié du XXᵉ siècle à Tachkent, la capitale de l’Ouzbékistan. Il est profondément enraciné dans la culture musicale de son pays, issu d’une famille de musiciens : son père jouait du santour (dulcimer) et son frère du ney (flûte) — instruments traditionnels d’Asie centrale. Dès l’âge de 10 ans, Abbos commence l’étude de la doyra — une tambour cadre ouzbek traditionnel — auprès de maîtres renommés tels que Tochi Nogamo et Tuychi Inogomov, ce dernier étant l’un des rares artistes reconnus officiellement par l’État ouzbek. Il poursuit ensuite sa formation au College of Culture and Music de Tachkent, où il étudie avec le maître de doyra Mamurjon Vahbov, obtenant son diplôme en 1988.

Après ses études, Kosimov enseigne la doyra au Tashkent State Institute of Culture (de 1994 à 1998) et fonde sa première école de doyra en 1994, où il forme une nouvelle génération de percussionnistes.

En 1998, il crée son propre ensemble musical, connu sous le nom de “Abbos Group”, qui intègre des instruments traditionnels comme le karnay, surnay, nogara et qayroq et connaît un succès tant en Ouzbékistan qu’à l’étranger. Pour célébrer le 10ᵉ anniversaire de l’indépendance de l’Ouzbékistan, il reçoit la distinction honorifique de “Artiste Honorable de l’Ouzbékistan”, décernée par le président du pays en 2001. À partir des années 2000, Abbos Kosimov s’impose comme une figure internationale du monde musical, il participe à de nombreux festivals, concerts et ateliers en Asie, en Europe, en Amérique du Nord, au Moyen-Orient et en Australie. En 2005, il s’installe aux États-Unis, où sa carrière prend une dimension mondiale. Il collabore et se produit avec des artistes de renommée internationale, notamment Zakir Hussain (Masters of Percussion), Stevie Wonder, Kronos Quartet, Homayoun Sakhi, Omar Sosa, Giovanni Hidalgo, Terry Bozzio et bien d’autres.

Il a également joué à la prestigieuse Carnegie Hall aux États-Unis, notamment avec Kronos Quartet et l’ensemble d’Alim Qasimov, marquant une étape majeure de sa carrière internationale.

Kosimov est largement reconnu non seulement comme un interprète exceptionnel de la doyra, mais aussi comme un innovateur : il a développé des techniques de jeu inspirées des maîtres de tabla indiens, étendant considérablement les possibilités rythmiques et sonores de la doyra. Il joue aussi d’autres instruments de percussion comme le qayroq, darbuka, dof, riqq et cajón.

Abbos Kosimov est un pédagogue très respecté, il enseigne la doyra à travers des ateliers, des cours individuels et une école qu’il a fondée. Il a publié un livre sur l’art de la doyra et a produit un DVD didactique pour partager son savoir et ses techniques.

En 2009, il reçoit une bourse de l’Alliance for California Traditional Arts (ACTA) en tant qu’artiste maître, ce qui l’amène à créer — avec la danseuse Tara Pandeya — l’organisation East West Centerpoint, dédiée à la promotion des arts et de la culture d’Asie centrale et au dialogue interculturel.

Feras Charestan

Kanoun

Feras Charestan est un musicien et compositeur syrien, virtuose du qanun, né en 1982 dans une famille syriaque à Al-Hasakeh, ville située au nord-est de la Syrie. Il est aujourd’hui installé à Stockholm, en Suède, où il poursuit une carrière internationale mêlant tradition et création contemporaine.

Très tôt attiré par la musique, Feras Charestan entreprend des études de qanun au High Institute of Music de Damas, l’une des institutions musicales les plus prestigieuses du pays. Il y achève son cursus en 2006 avec une spécialisation en interprétation du qanun.

Son talent se distingue rapidement : avant même l’obtention de son diplôme, il commence à se produire aux côtés d’artistes et d’orchestres renommés en Syrie et à l’étranger. Dès 2007, il rejoint l’institut en tant qu’enseignant, transmettant son savoir à une nouvelle génération de musiciens.

Au fil des années, Feras Charestan s’impose comme l’un des grands solistes du qanun de sa génération. Pendant de nombreuses années, il se produit en tant que soliste avec le Syrian National Symphony Orchestra, basé à Damas. Il collabore également de manière régulière avec le Qatar Philharmonic Orchestra, basé à Doha.

Parallèlement, il devient l’un des Master Musicians de l’Aga Khan Music Initiative (Aga Khan Trust for Culture), participant à des concerts et ateliers à travers le monde. Au sein de cet ensemble prestigieux, il contribue à la création d’œuvres nouvelles enracinées dans les traditions musicales du Moyen-Orient, tout en s’inscrivant dans une démarche contemporaine.

Yurdal Tokcan

Kanoun

Yurdal Tokcan est considéré par de nombreux spécialistes comme l'un des meilleurs joueurs de oud au monde. Son style associe des traditions plus anciennes à de nombreuses innovations stylistiques, que l'on retrouve également dans son jeu à la guitare fretless. Ses nombreuses nouvelles compositions associent de riches mélodies traditionnelles à des textures polyphoniques interprétées sur des instruments classiques turcs. Yurdal TokcanTokcan est né en 1966 à Ordu, sur la côte turque de la mer Noire. Il est diplômé en 1998 du Conservatoire gouvernemental de musique turque de l'Université technique d'Istanbul. Pendant qu'il terminait son programme de maîtrise, il a rejoint la faculté en tant qu'instructeur de oud. Tokcan continue d'enseigner, partageant ses connaissances, son expérience et sa technique avec des étudiants turcs et étrangers. En 1990, il rejoint l'Istanbul Government Music Ensemble du ministère de la culture et du tourisme, sous la direction artistique de Tanburi Necdet Yasar. En tant que membre de cet ensemble, Yurdal s'est produit en France, aux Pays-Bas, en Belgique et en Espagne. Il est membre de l'Istanbul Fasil Ensemble et de l'Istanbul Tasavvuf Music Ensemble, et membre fondateur de l'Istanbul Sazendeleri (Musiciens d'Istanbul), un groupe qui se consacre à la présentation d'œuvres instrumentales turques. En tant que soliste, il s'est produit aux Pays-Bas avec l'Amsterdam Percussion Group and Chamber Orchestra dans le cadre d'un programme intitulé European Music Around Oud, et avec le Tekfen Philharmonic Orchestra en Turquie, au Royaume-Uni et en Belgique. Tokcan a rejoint Burhan Ocal (percussions), Goksel Baktagir (kanun), Selim Guler (kemence) et Arif Erdebil (ney) lors d'un concert en France, dont l'enregistrement a remporté le prix du « Meilleur album ethnique » en 1998. En 2003, il s'est produit au festival de l'oud en Jordanie, a donné deux concerts au festival de musique arabe à l'opéra du Caire et s'est produit lors des célébrations de l'année turque 2003 au Japon. Tokcan a été invité à se produire à Kudus dans le cadre d'un festival de musique pan-méditerranéen (avec Selim Guler, Ross Daly, Zohar Fresko et Yinon Muallem). Il s'est produit avec l'ensemble Mercan Dede dans divers festivals, notamment le festival international de jazz Akbank à Istanbul. Les activités récentes de Tokcan comprennent une participation continue à l'Année de la Turquie au Japon en 2004 avec l'orchestre philharmonique de Tekfen. En outre, Istanbul Sazendeleri (Musiciens d'Istanbul) a joué en Crète (août 2005), en Estonie (octobre 2005), à Tokyo, au Japon (concert de clôture de l'Année de la Turquie, mai 2004), et avec Ross Daly à Bursa, en Turquie (novembre 2005). Tokcan a également donné un concert en duo au Festival international de l'oud à Jérusalem (décembre 2005) avec le percussionniste israélien Yinon Muallem.

Ayad Khalifé

Piano

Ayad Khalifé est un pianiste, compositeur et professeur franco-libanais né au Liban. Passionné par la musique dès l’enfance, il s’est fait connaître très jeune comme soliste et interprète de musique classique, puis comme créateur de projets artistiques mêlant plusieurs traditions musicales. Ayad commence le piano à l’âge de 5 ans au Conservatoire national supérieur de musique du Liban, où il étudie avec Narine Abrilian et Angela Hadichian. Il y obtient son diplôme avec brio à seulement 15 ans. En 2006, il poursuit ses études en France au Conservatoire national de région de Boulogne-Billancourt, où il étudie le piano avec Paul-André Gaye et la musique de chambre avec Hortense Cartier-Bresson. Il obtient son diplôme de musique de chambre avec mention, puis en 2010 son 1er prix de piano à l’unanimité avec félicitations du jury ainsi que son DNSPM (Diplôme National Supérieur Professionnel de Musicien) et une licence de musicologie. Durant cette période, il approfondit également l’improvisation et le jazz (avec Damien Nédonchelle) et la musique de chambre (avec Jérôme Voisin), notamment dans la classe d’improvisation de Vincent Lê Quang. Dès son adolescence, il se produit comme soliste avec orchestre : il joue notamment à 13 et 15 ans les Concertos de Kabalevsky n°2 et de Mendelssohn n°2 avec l’Orchestre Philharmonique National du Liban. Il a participé à de nombreux concerts, récitals et festivals en France, au Liban et à l’étranger, dans des salles prestigieuses telles que le Place des Arts (Montréal), le Barbican Hall (Londres), le Qatar National Convention Centre (Doha) et le Grand Palais (Paris). Avec son frère jumeau, le violoncelliste Sary Khalifé, il joue également un vaste répertoire de musique de chambre, du classique aux œuvres contemporaines, mêlant parfois influences occidentales et orientales. Ayad compose et improvise régulièrement. En 2014, il publie son premier album « Naseej » en collaboration avec Sary Khalifé et Mike Massy, un projet inspiré par le folklore libanais, la poésie spirituelle, le jazz et les traditions musicales du Moyen-Orient. Il compose aussi pour orchestre : son orchestral suite « Esquisses » est jouée en 2017 par l’Orchestre Philharmonique National du Liban sous la direction de German Gutierrez. En 2018, il co-écrit avec son frère l’album « Soobia », produit par l’Arab Fund for Arts and Culture (AFAC) et Nagam Records, mêlant jazz, musique orientale et musique classique moderne. Cet album est présenté en concert dans plusieurs villes d’Europe et du Liban. En 2021, il sort avec Sary Khalifé et la chanteuse Jahida Wehbe l’album « Salt & Shadows », qui mêle poésie parlée et improvisation instrumentale autour de textes de poètes internationaux.

Sary Khalifé

Violoncelle

Le violoncelliste et compositeur franco-libanais Sary Khalifé mène une carrière artistique remarquablement diversifiée en tant que soliste, musicien de chambre, musicien d’orchestre et compositeur, naviguant avec aisance entre le jazz, la musique classique et les musiques du Moyen-Orient. Il débute le piano à l’âge de cinq ans avant de se tourner vers le violoncelle à sept ans avec Sarkis Kochkarian au Conservatoire national de Beyrouth. Il poursuit ensuite ses études en France au CRR de Boulogne-Billancourt dans la classe de Xavier Gagnepain, où il obtient un Premier Prix à l’unanimité en 2008.

Il intègre ensuite le prestigieux Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, où il perfectionne son art auprès de maîtres renommés tels que Rolland Pidoux, Xavier Phillips, Marc Coppey et Pauline Bartissol. Il y obtient une Licence et un Master de violoncelle solo en 2016, complétant sa formation par des études d’improvisation auprès d’Alexandros Markeas et de Vincent Lequang.

Membre du West-Eastern Divan Orchestra depuis 2004 sous la direction de Daniel Barenboim, il y occupe le poste de violoncelle solo depuis quatre ans au sein de cet ensemble prestigieux, se produisant dans les plus grandes salles du monde : la Philharmonie de Paris, le Konzerthaus de Vienne, le Royal Albert Hall et la Salle Pleyel. Il est également membre du Divan Ensemble, groupe de musique de chambre dirigé par Michael Barenboim.

Ancien membre de l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg (2017–2019), sa carrière orchestrale comprend également des collaborations en tant que remplaçant avec l’Orchestre Philharmonique National de Metz, l’Orchestre Symphonique de Mulhouse et l’Orchestre Paris Mozart. Depuis cette année, il occupe le poste de violoncelle co-solo à l’Orchestre Colonne à Paris. En tant que soliste, il s’est illustré dans des concertos de Haydn et de Saint-Saëns avec l’Orchestre Philharmonique du Liban, dans le Triple Concerto de Beethoven avec l’Orchestre Philharmonique du Qatar, et plus récemment dans le Poème symphonique d’Iyad Kanaan.

En tant que compositeur, Sary Khalifé a créé plusieurs œuvres originales, dont Soobia (2018, lauréat du prix AFAC, coécrit avec Ayad Khalifé), Naseej (2014, coécrit avec Ayad Khalifé et Mike Massy), ainsi que des œuvres pour violoncelle seul comme Till We Meet Again, une pièce mettant en valeur son écriture pour l’instrument. Il prépare actuellement un deuxième album avec Ayad Khalifé ainsi qu’un album solo. Il est également membre de Crozphonics, un trio de jazz avec accordéon dirigé par Charles Kienny, finaliste du concours de jazz de La Défense, dont l’album est prévu pour une sortie en janvier.

Sa musicalité raffinée et sa grande polyvalence artistique, évoluant entre les univers classique, jazz et oriental, font de Sary Khalifé l’un des violoncellistes les plus marquants de sa génération, alliant tradition et ouverture contemporaine.